Comment dessiner de l’art conceptuel ? – Définition, étapes et astuces

Comment dessiner de l’art conceptuel ? Si vous souhaitez devenir artiste conceptuel, mais ne savez pas par où commencer, ce cours est fait pour vous.

comment dessiner de l'art conceptuel
comment dessiner de l’art conceptuel

Il existe de nombreux cours qui vous apprennent à dessiner, mais très peu vous apprendront à devenir un artiste conceptuel. L’art conceptuel est l’une des parties les plus importantes et les plus difficiles du processus de développement d’un jeu, car il est si difficile de bien faire les choses. Cela peut être frustrant si tout ce que vous avez est un tas de tutoriels sur le dessin d’arbres et de dragons, ce qui nous amène à notre prochain point.

Ce cours a été conçu en tenant compte de vos besoins par des artistes conceptuels professionnels qui veulent que les autres réussissent comme eux ! Nous vous montrerons tout, des techniques de dessin de base jusqu’aux compétences de rendu avancées nécessaires aux professionnels travaillant dans de grands studios comme Blizzard Entertainment ou Riot Games.

Qu’est-ce que l’art conceptuel ?

L’art conceptuel est souvent le point de départ entre l’idée d’un artiste et ce qu’il finit par partager avec tout le monde. Il peut être difficile de voir comment le concept fonctionne, mais ce processus commence par identifier les besoins qui soutiennent l’histoire (conceptualisation), puis fournit des souhaits de conception axés sur ces concepts ou idées – peignant une image plus claire de notre monde pour vous !

Pourquoi l’art conceptuel est important ?

Les films d’animation, les jeux vidéo et plus encore sont tous créés grâce à la collaboration de centaines ou de milliers d’artistes. L’art conceptuel de la production garantit que ces différents pigistes ont aligné leur vision de ce projet avant de commencer à y travailler eux-mêmes.

Ce processus permet aux artistes de partager des idées créatives entre eux. Lorsqu’ils travaillent sur le même projet, toute différence d’interprétation créative peut être aplanie en examinant la manière dont un artiste crée son personnage ou sa scène pour assurer la cohérence de l’ensemble – une dépense énorme qui aurait été évitée si vous n’aviez laissé qu’une seule personne créez tout !

Histoire de l’art conceptuel

Les peintures originales de Mary Blair pour « Cendrillon », « Alice au pays des merveilles » et d’autres films Disney sont emblématiques. Les mondes fantastiques créés par ces artistes ont une qualité imaginative et colorée que le public aime explorer à travers des films à la maison ou à l’écran !

L’art conceptuel est un outil puissant, et George Lucas l’a utilisé pour créer l’une des franchises les plus emblématiques de l’histoire du cinéma. Les artistes conceptuels esquissent souvent leurs idées avant de les finaliser avec des peintures ou des dessins Photoshop colorisés pour les clients qui ont besoin d’illustrations plus détaillées comme celles trouvées sur les jouets Star Wars. Pour cette seule raison, vous devriez garder un œil sur votre prochain voyage dans un magasin de jouets, car ils ne seront certainement pas périmés de si tôt !

Exemples d’art conceptuel

Art conceptuel des personnages

Art conceptuel des personnages

Pour cette œuvre d’art conceptuel de personnage fantastique, l’instructeur et artiste de Skillshare Justin Goby Fields a commencé par trouver l’inspiration sur Pinterest. La conservation d’images l’a aidé à affiner les caractéristiques de son produit final qui n’était qu’un buste d’une créature ressemblant à un insecte qui finira par se rassembler dans des formes plus complexes au fur et à mesure de votre processus de dessin. Comme il l’a expliqué pendant les heures de cours avec des élèves autour de tables réparties dans deux pièces à la fois, une fois que la tête et la poitrine sont correctement faites, tout le reste devrait tomber naturellement.

Art conceptuel de l’équipement

Art conceptuel de l'équipement
Art conceptuel de l’équipement

Vous pouvez également développer des concepts artistiques liés à des équipements tels que des armes et des armures. Le processus de fabrication de ce type d’illustration est très différent du style typique, mais suit toujours de nombreuses directives de base afin de le rendre aussi réaliste que possible sans aucune contribution du point de vue d’un designer. De nombreux artistes se tournent d’abord vers Google Images ou Pinterest lorsqu’ils veulent de l’inspiration avant de commencer leurs séances de croquis où des aspects techniques tels que la structure entrent en jeu après avoir compris le fonctionnement des costumes ; puis finaliser ces idées par l’illustration par la suite !

Art conceptuel de la construction du monde

La construction du monde est une tâche difficile qui nécessite un artiste avec des compétences de dessin détaillées. Ils doivent être capables de créer des lieux et des mondes entiers pour des films ou des jeux vidéo, qui peuvent inclure des milliers d’éléments individuels tels que des meubles dans des pièces, des esthétiques de conception comme des conceptions d’architecture, des modèles météorologiques, des schémas d’éclairage, des vêtements portés par des personnages, etc.

Que fait un concept artist ?

Créer la vision artistique derrière un film ou un jeu vidéo entier est souvent écrasant. Cependant, vous avez généralement des conseils tout au long de ce processus – dans la plupart des cas, en commençant par un brief de votre directeur créatif sur ce qu’il veut pour chaque élément : personnages, décors, etc. Le brief d’un personnage peut incorporer des détails sur la façon dont cette personne particulière interagit émotionnellement à travers leur personnalité ainsi que leur apparence physique, il y a donc des directives claires à suivre lors de la conception de ces aspects !

Après le brief, un artiste commence à développer plusieurs idées approximatives de ce à quoi il veut que son personnage ressemble. Ils continueront à dessiner et à affiner jusqu’à créer des illustrations plus détaillées ou des « rendus complets » pour les clients qui ont besoin d’images de haute qualité de sujets complexes avec de nombreux angles représentés afin de leur fournir des vues à 360° afin qu’aucun angle ne soit omis lors de l’affichage de cette personne. apparition sur des marchandises telles que des chemises annonçant le nom de leur groupe sur la poitrine.

Le concepteur examine ensuite ces conceptions et peut demander à l’artiste de passer par des séries de révisions avant de les finaliser. Une fois approuvé, chaque dessin sera fourni sous forme de dessin conceptuel à d’autres artistes qui pourront l’utiliser comme source d’inspiration lors de la peinture de leur partie ou de l’encrage sur des œuvres d’art existantes pendant le temps de production !

Conseils clés qui pointent vers des compositions pour l’art conceptuel

Conseils clés qui pointent vers des compositions pour l'art conceptuel
Conseils clés qui pointent vers des compositions pour l’art conceptuel

Faire une recherche dynamique

La recherche engendre l’authenticité dans l’évolution du design, du concept au produit final. Comme enfreindre les règles avant de pouvoir créer quelque chose de nouveau et de cassable qui durera éternellement ou sera réinventé constamment avec le temps parce qu’il n’a jamais vraiment été créé par quelqu’un d’autre que soi-même – j’ai trouvé que cette maxime s’applique non seulement aux objets physiques comme les bâtiments mais aussi aux espaces à l’intérieur notre environnement qui fait office de conteneurs pour nous tous : les bibliothèques sont conçues pour qu’on s’y sente moins seul qu’ailleurs ; les hôpitaux remplissent à la fois des fonctions physiologiques (soulagement de la douleur) et des besoins psychologiques tels que la guérison de l’estime de soi après avoir subi des crises d’angoisse dans les transports en commun ; Les centres commerciaux abritent souvent plusieurs magasins sous un même toit.

Pensez à l’intérieur de la boîte

Les concepteurs doivent être en mesure de comprendre tous les aspects de leur conception avant de sortir des sentiers battus. La façon dont une idée ou une histoire pourrait potentiellement être racontée est plus importante que le fait qu’il s’agisse d’un processus de pensée sûr et conventionnel pour eux en général.

J’ai pu générer un certain nombre de croquis qui m’offrent deux perspectives différentes. La première est une traduction à l’intérieur de la boîte, où je raconte l’histoire en termes littéraux et j’inclus également des images d’aujourd’hui parce que c’est important non seulement pour le contexte mais aussi pour que les gens sachent de quoi nous parlons quand ils lisent de vieux livres ou des articles décrivant des temps beaucoup plus simples bien avant l’existence de toute technologie qui aurait pu aider à la survie lors de catastrophes telles que le fait d’être piégé sous l’eau pour toujours jusqu’à ce que quelqu’un arrive et trouve enfin comment les faire sortir ; cela aurait plus de sens s’il y avait une sorte de protagoniste essayant désespérément contre des chances impossibles.

Concevoir librement

Lors du dessin, il est important de trouver l’équilibre entre liberté et contrôle. Si vous n’êtes pas libre avec votre bras mais que vous avez toujours des lignes stables dans ce que vous dessinez, il y aura un déséquilibre entre la façon dont les gens voient votre œuvre d’art par rapport à quelqu’un qui a plus de mouvement ou moins de stabilité lorsqu’il se déplace ; ce qui pourrait faire apparaître leur travail statique plutôt que vivant comme le mien parce que j’utilise les deux poignets en douceur tout au long de chaque pièce pour le mouvement au lieu d’un seul côté comme le font de nombreux autres artistes !

Comprendre la composition

Une belle composition sera toujours forte. La façon dont vous organisez les formes et les formes dans votre conception n’est pas seulement une question de préférence ou de style ; au lieu de cela, réalisez que chaque élément du langage visuel doit fonctionner ensemble pour qu’il ait un sens – des valeurs (les couleurs les plus vives aux couleurs les plus sombres) en passant par des prises de vue en perspective avec un sujet placé frontalement tandis qu’un autre apparaît plus loin derrière eux dans l’espace Parlant .
Pour raconter des histoires de manière efficace, nous avons besoin non seulement de bonnes compétences en composition, mais également d’une capacité à voir ce qui se passe dans notre cadre – ce avec quoi la plupart des films ont du mal de nos jours !

L’un des éléments les plus importants de toute scène est la perspective. Le placement et le type d’objectif de l’appareil photo ont tous deux un impact significatif sur l’apparence de cette scène, tout comme la valeur d’éclairage qui peut être utilisée pour l’ambiance ou l’effet dramatique selon l’application en contrôlant l’exposition via les paramètres de vitesse d’obturation/ouverture. Un autre élément clé est la mise en scène – organiser différents éléments, y compris les formes, les tailles et les chevauchements dans votre canevas en utilisant diverses combinaisons telles que celles énumérées ci-dessus ; cela inclut la création d’une harmonie de couleurs d’équilibre de dimension de profondeur parmi d’autres qualités nécessaires lors de la capture d’art comme des couleurs vives à partir de reflets de lumière dansant sur les surfaces.

Utiliser la perspective

Une prise de vue en plongée suggère l’invincibilité, la force et la confiance tandis qu’une prise de vue au niveau des yeux donne une perception de normalité. Un placement de caméra à angle faible suggère une vulnérabilité ou une solitude car leur sujet est vu d’en bas en le regardant avec des yeux méfiants (ce qui donne également au spectateur l’impression d’être lui-même dans cette situation). Il existe de nombreux types de perspectives, y compris des prises de vue aériennes qui peuvent donner de l’empathie aux spectateurs en rendant tout petit ; des angles moyens qui montrent plus que ce qui se passe à l’écran mais permettent des gros plans en cas de besoin ; et des longshots extrêmes où vous pourriez ne voir que deux personnes parler sur de grandes distances !

Jouez avec la perception du spectateur

L’esthétique visuelle est l’étude de la façon dont les éléments de composition interagissent et réagissent les uns avec les autres pour créer du sens. Il est important non seulement de comprendre ces principes de composition, mais également de comprendre leur importance afin de raconter efficacement des histoires visuelles à travers notre travail de concepteurs ou d’artistes !

L’esthétique visuelle peut aider à créer une perception intentionnelle et directionnelle en ce qui concerne l’histoire/l’idée. Le contexte sélectif entraîne différentes interprétations de la même information par un public parce qu’il est sélectif quant aux images, sons ou autres perceptions qui l’engageront le plus profondément pendant la durée d’une scène; ce phénomène affecte notre compréhension au fur et à mesure que nous progressons dans n’importe quel récit – si vous voulez que votre ou vos messages soient clairement entendus, assurez-vous que ces messages se démarquent de leur tissu de fond !
Le maintien de la composition visuelle nécessite des précautions : des choix inappropriés peuvent entraîner une trop grande distraction (surcharge eidétique), réduisant ainsi les taux de compréhension des téléspectateurs.

La vision sélective est une forme d’art unique qui oblige l’artiste à contrôler sa perception. Sa subjectivité et sa singularité permettent des interprétations individualisées des histoires, qui peuvent donner plus de sens que si nous voyions tous les choses exactement de la même manière.

Connaître les règles de valeur

Une peinture peut être une œuvre d’art complexe et complexe. Ce ne sont pas seulement les couleurs d’une toile qui font sa beauté, mais aussi la façon dont ces teintes s’équilibrent entre la clarté et l’obscurité pour créer de la profondeur dans une forme tridimensionnelle – ce qui n’est possible qu’avec de la valeur (ou de l’intensité des couleurs). La valeur crée des ambiances en contrôlant les points focaux : généralement, le contraste élevé de la zone la plus lumineuse lorsque la prédominance englobant des valeurs opposées donne l’impression que les formes 3D sont touchées par la lumière tandis que d’autres sous les ombres fournissent des surfaces ombragées qui leur donnent aussi de l’émotion !

Dessiner de l’art conceptuel peut demander beaucoup de travail. Cela demande de l’imagination, de la créativité et la capacité de visualiser ce que vous voyez dans votre tête. Cet article de blog a fourni quelques conseils pour dessiner de l’art conceptuel qui devraient vous faciliter la tâche, mais si vous voulez plus d’instructions pratiques avec un instructeur qui peut vous montrer comment créer de superbes dessins du début à la fin, découvrez nos prochains ateliers !

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