Beaucoup de gens veulent apprendre à créer de l’art conceptuel, mais il est difficile de trouver une bonne ressource.
Il existe de nombreux livres et tutoriels qui prétendent pouvoir vous apprendre à devenir un excellent artiste conceptuel, mais la plupart d’entre eux ne sont tout simplement pas assez à jour.
Ils sont trop portés sur les méthodes traditionnelles ou n’ont pas les bons conseils pour apprendre l’art numérique. La bonne nouvelle est que le processus de création d’art conceptuel n’est pas très difficile du tout, et vous pouvez le faire aussi !
Alors, comment créer de l’art conceptuel? Nous passerons en revue chaque étape et vous donnerons des conseils pratiques !
Comment créer de l’art conceptuel
Concept Art est l’art de créer des visuels pour un jeu, un film ou tout autre média. Il peut être utilisé pour aider à visualiser ce qui se passe dans l’esprit de l’écrivain, du réalisateur ou du producteur.
Ils sont généralement créés par un artiste spécialisé dans ce type de travail et contiennent généralement très peu de détails car ils sont simplement destinés à vous donner une idée de ce qui se passe dans l’esprit du conteur.
Un bon exemple serait la franchise Star Wars où l’art conceptuel a été utilisé pour aider à visualiser tout ce que vous voyez dans ces films.
Histoire de l’art conceptuel
Au début, au Moyen Âge, il n’y avait que peu d’artistes en Europe. Leur travail consistait à décorer des églises ou à peindre des autels dans un certain style et pour un certain prix. C’était très difficile car il fallait savoir travailler avec de nombreuses couleurs vives et couvrir de grands murs avec des images peintes.
Il n’y avait pas d’ordinateurs à l’époque, donc les artistes devaient tout faire à la main.
Mais à l’époque de la Renaissance, les choses ont commencé à changer un peu. Par exemple, Léonard de Vinci n’était pas seulement un peintre, mais aussi un architecte et un inventeur.
À cette époque, il fallait plusieurs mois, voire des années, pour peindre une église à l’intérieur de haut en bas, mais quand on pouvait en construire une nouvelle en une semaine, qui ne choisirait pas cette option ?
C’est à ce moment-là que les gens ont cessé de penser que le travail d’un artiste consistait uniquement à peindre et ont commencé à le voir comme une opportunité d’expérimentation ou d’expression de soi. À cette époque, il y avait des artistes tels que Michel-Ange (il a travaillé sur la chapelle Sixtine) et Rembrandt (il était peintre à l’huile).
Et maintenant, place à l’explosivité moderne. La nouvelle technologie trouvée nous a permis de créer tout ce que nous voulions simplement en appuyant sur les boutons d’un ordinateur. Comme vous le savez probablement, il y a aujourd’hui de nombreux artistes conceptuels qui passent des journées entières assis devant leur PC, créant des images incroyables tout juste sorties de leur imagination.
Pourquoi l’art conceptuel est-il important ?
L’art conceptuel est ce qui est utilisé pendant le développement pour aider à établir l’apparence, la convivialité, l’ambiance et le ton d’un jeu avec les producteurs, les réalisateurs et les chefs d’équipe. C’est aussi ce qui aide à vendre la vision d’un projet si ou quand il sort auprès d’éditeurs ou d’investisseurs.
L’art conceptuel élève les idées de simples mots sur papier à des concepts tangibles. Cela peut aider les équipes à comprendre facilement une idée ou une vision grâce à l’utilisation de croquis, de peintures et de manipulations de photos afin que toutes les personnes impliquées puissent être sur la même longueur d’onde.
L’art conceptuel est nécessaire dans deux domaines différents : les inspirations visuelles (c’est-à-dire le développement) et le pitch/présent.
La façon de créer un concept art
Concept + art : Nature de l’art conceptuel
L’art conceptuel ne concerne pas seulement l’épopée ou sa belle exécution. C’est une œuvre d’art qui découle d’un processus de conception, bien enracinée dans une idée qui soutient l’histoire avec ce que vous voulez pour votre projet à portée de main.
La priorité lors de la création du concept peut être identifiée ainsi : besoins et désirs ; en particulier ceux liés à la narration – qu’est-ce qui améliorerait ce récit ? De quoi a-t-il besoin de moi en tant que designer/artiste, etc. ?
C’est là que réside une différence majeure entre le dessin « conventionnel » (pensez au crayon et au papier), les programmes de peinture numérique comme Photoshop où il y a souvent plusieurs couches disponibles, mais plutôt que de simplement ajouter de la couleur par-dessus une autre couche – pensez à des personnalités divisées si elles existent à l’intérieur
Faire des recherches
La recherche est le fondement du design car elle engendre l’authenticité. Il faut apprendre ce qui est réel avant de concevoir ou de refaire un objet avec n’importe quel type d’innovation à l’esprit.
Ainsi, lorsque vous verrez mon travail par vous-même et que vous jugerez de sa validité en fonction de la qualité de tout, sans être envahissant par la formalité, vous saurez d’où tout cela vient : de la recherche !
Pensées à l’intérieur de la boîte
On dit toujours aux designers et aux artistes de sortir des sentiers battus, mais je pense que cela n’est possible que si vous savez ce qu’il y a à l’intérieur. Et pas seulement cela – comprenez aussi comment ces objets fonctionnent !
Au fil du temps, il est devenu clair qu’il n’est pas nécessaire d’aller « à l’extérieur » tant que votre histoire peut toujours être racontée efficacement dans ses limites.
Conception lâche
Une discipline clé au fil des ans est de concevoir avec le bras et dessiner avec un poignet. Il y a un équilibre entre la liberté, le contrôle, la créativité – le tout dans la mesure où vous voulez qu’il soit dessiné lorsque vous dessinez sur une toile 18 × 24 pouces
Tension dynamique créée en se déplaçant librement mais aussi en restant connecté grâce à des choix de valeurs et de couleurs effectués numériquement à l’aide de Photoshop pour des images haute résolution à partir de ce processus de démonstration d’atelier en direct…
Comprendre les ingrédients
Il est important de maîtriser la composition, car elle définit non seulement l’agencement des formes et des formes, mais raconte également votre histoire ou votre idée plus efficacement.
La perspective peut être définie comme l’endroit où vous vous positionnez par rapport à ce qui est capturé ; la valeur traduit la manière dont la lumière s’applique sur un objet (que ce soit à travers l’obscurité ou la surbrillance) ; la mise en scène consiste à disposer différents éléments à l’intérieur de ces deux trames : chevauchement de la taille des formes,… pour créer de la profondeur, et de l’équilibre. La couleur est l’harmonie des palettes et des températures.
Les couleurs sont comme un bon vin, elles se bonifient avec le temps.
Perspective
Une perspective peut changer la façon dont vous voyez tout. Une position de caméra peut montrer un événement sous un angle, tandis qu’une autre les place sous un jour différent avec une perception entièrement nouvelle pour le spectateur et le sujet !
Perception du spectateur
L’esthétique visuelle est l’étude de la façon dont les éléments de composition interagissent les uns avec les autres et de ce que les gens en penseront. C’est important de connaître la composition mais ce n’est pas suffisant ; comprendre la perception – comment les images composées différemment sont perçues par les spectateurs (et donc si elles évoquent un contexte sélectif)
Ceci est tout aussi vital pour les conteurs visuels qui souhaitent que leur travail soit maximisé sur toutes les plateformes.
Notre façon de voir les choses est façonnée par ce que notre cerveau nous dit sur le monde. C’est un outil puissant, et si vous voulez que les gens prennent votre message dans une direction, l’utilisation de la vision sélective peut les aider à le faire mieux que toute autre option.
Le contrôle de la perception peut aboutir à un contexte contrôlé lorsqu’il s’agit d’un sens juste ; cela signifie que leur public n’aura qu’une seule interprétation du fonctionnement des histoires, car ils n’obtiennent pas toutes les perspectives sur un problème ou un événement comme il y en avait avant !
La loi de la valeur
Les trois règles de valeur importantes sont :
Il contrôle les points focaux – généralement la zone la plus lumineuse, le contraste le plus élevé ou lorsqu’une prédominance contient des valeurs opposées. La valeur nous donne cette forme tridimensionnelle en montrant nos surfaces frappées par la lumière tout en se cachant sous les ombres ; il crée également de la profondeur dans une œuvre d’art en raison de son effet sur les qualités de réflexion plane.
La valeur peut se traduire en température de couleur en fonction de la quantité d’éclairage appliquée (et de ce type).
La valeur peut créer l’illusion de profondeur, et modifier l’obscurité ou la lumière crée de la distance. L’ambiance est établie par l’éclairage d’un tableau – elle se traduit par des valeurs qui transmettent l’ambiance aux spectateurs.
Les combinaisons de couleurs réussies dépendent de la manière dont elles sont placées à cet effet : différentes couleurs ont des degrés de succès variables en fonction de leur placement dans des peintures d’artistes tels que Rembrandt qui savait exactement ce qu’il faisait avec sa fameuse » Ronde de Nuit « .
